Mitä ikinä luuletkaan 1960-luvun olleen tai näyttäneen, mieti uudelleen. Myrskyisä vuosikymmen on moniulotteinen kaikin tavoin, myös elokuvissa. Mutta mitkä 1960-luvun elokuvat ovat oikeastaan parhaita?
Vuosikymmen, jolle oli ominaista muuttuvat yhteiskunnalliset normit, puhumattakaan kansalaisoikeusliikkeestä ja Vietnamin poliittisesta sumpusta, 1960-luvun elokuvat heijastivat samalla tavalla globaalia yhteisöä, joka oli muutoksessa. Ulkomaiset avantgardistiset tuontituotteet Japanista, Italiasta, Ranskasta ja muualta veivät huomion amerikkalaiselta tyyliltä. Samaan aikaan elokuvantekijät näkivät, että heidän ammattitaitoaan uhmasi uusi, halvempi viihdevaihtoehto: televisio. Sen sijaan, että elokuvat olisivat tarjonneet enemmän spektaakkelia kuin mitä television pienet budjetit pystyivät tarjoamaan, vuosikymmenen elokuvat pyrkivät kuitenkin haastamaan yleisöä kumouksellisemmilla tarinoilla, jotka asettivat hyväksyttävyyden rajat uusiksi.
Kuten 1950-luku ennen sitä, myös 1960-luku ennakoi lähitulevaisuuden moraalisia epäselvyyksiä. Kun ahdasmielinen Hays-koodi menetti vinssin otteensa, uuden Hollywoodin äkillinen räjähdysmäinen räjähdys – jonka Ranskan uusi aalto jo ennätti – antoi elokuvantekijöille enemmän luovaa tekijänoikeutta, minkä ansiosta he saattoivat heijastaa elokuvissaan trendikästä vastakulttuuria, joka levisi kaupunkeihin, kommuuneihin ja yliopistojen kampuksille kaikkialla.
Kun klassikkoelokuvia on niin paljon, että niitä voi nimetä, tässä on vain 32 1960-luvun parasta elokuvaa.
32. Batman (1966)
(Kuvan luotto: Warner Bros.)
Pyhä elokuva, Batman! Tuottaja William Dozierin alun perin suunnittelema Batman-elokuva vuodelta 1966 (ohjaaja Leslie H. Martinson) edustaa nykyään camp-taidetta kaikessa yltiöpäisessä loistossaan. Adam Westin tähdittämässä roolissa, joka teki hänet kuuluisaksi, lippalakkipäinen ristiretkeläinen taistelee Gotham Cityn pahiksia vastaan, jotka ovat liittoutuneet United Underworldiksi. Vaikka kyseessä ei ole missään nimessä paras koskaan tehty supersankarielokuva, sen yhteenveto kuuluisasta televisiosarjasta – kaikki valkokankaalle räjäytettynä – tekee Batmanista yhden värikkäimmistä, törkeimmistä ja todellakin hauskimmista kaupallisista elokuvista haastavalla vuosikymmenellä. Todellakin on päiviä, jolloin pommista ei vain pääse eroon.
31. Barbarella (1968)
(Kuvan luotto: Paramount Pictures)
Korkeimman luokan kulttielokuva, jossa Jane Fonda näyttelee B-luokan scifi-helmi, jonka viehätysvoima on siinä, että, no, siinä Jane Fonda on totaalisen seksikäs avaruudessa. (Ja Barbarella on niin aidosti katsottava, koska Fonda pelaa kaikessa innolla.) Ranskalaiseen sarjakuvasarjaan perustuvassa elokuvassa seurataan Barbarellaa (Fonda), avaruusmatkailijaa, joka on lähetetty etsimään tiedemiestä, jolla on ase, joka voi tuhota ihmiskunnan. Brigitte Bardotin ja Sophia Lorenin kaltaisten tähtien kieltäydyttyä roolista Fonda epäröi sen seksuaalisuuden vuoksi; Fonda oli tuolloin kahden alastomuusskandaalin keskipisteessä, jotka liittyivät elokuviin Circle of Love ja The Game Is Over. Mutta Fonda oli myyty, kun ohjaaja Roger Vadim kertoi hänelle, että scifistä tulee pian arvostettu genre. Kun Star Wars on vielä yhdeksän vuoden päässä, Vadim oli aika lailla oikeassa, vaikka Barbarella ei olekaan nykyään yhtä suuri franchising.
30. Cherbourgin sateenvarjot (1964)
(Kuvan luotto: 20th Century Studios)
Jacques Demyn unohtumattomassa romanttisessa läpihuutojuhlamusikaalissa nuori ranskalainen pariskunta on innokas aloittamaan ikuisesti, kunnes Algerian sota repii heidät erilleen. Kun he väistämättä palaavat yhteen, kylmät lämpötilat paljastavat kerran kuumentuneen intohimon kylmenneen. Catherine Deneuve ja Nino Castelnuovo näyttelevät yhdessä lumoavaa valkokangasparia, joka edustaa nuoruuden ja rakkauden yleismaailmallista jännitystä, liian varhaisen rakkauden löytämisen tragediaa ja katkeraa hyväksyntää sille, että elämä ei aina suju suunnitelmien mukaan. Demyn romanttisen trilogian muodostavista elokuvista – joihin kuuluvat myös Lola (1961) ja Rochefortin nuoret tytöt (1967) – Cherbourgin sateenvarjot edustaa parhaiten nuoren rakkauden katkeransuloisuutta.
29. Onibaba (1964)
(Kuvan luotto: Toho)
Elokuva on niin pelottava, että se säikäytti jopa Manaaja-elokuvan ohjaajan William Friedkinin. Onibaba on buddhalaisen vertauksen uudelleenkerronta kirotusta naamiosta, joka rankaisee sen kantajia. Siinä seurataan kahta naista, jotka houkuttelevat vaeltavia samuraita tappamaan heidät ja myymään heidän aseitaan rahasta. Kun mies tulee heidän väliin, ikivanhat tunteet, kuten kateus ja raivo, pyörivät kuin synkän, epäpyhän myrskyn tuulet. Tämä makaaberi elokuva, jossa on äärimmäistä vanhan ajan energiaa, on taidokas metafora Japanin atomipommien jäljelle jääneistä traumoista, ja se saa lisämerkityksen, kun tietää, että käsikirjoittaja/ohjaaja Kaneto Shindō oli kotoisin Hiroshimasta. Onibaba oli yksi Shindōn monista elokuvista, joissa hän käsitteli ydintuhon kauhuja ja omaa henkilökohtaista todellisuuttaan, kun hän näki kotinsa tuhoutuvan ja sen eloonjääneille jäävän korjaamattomat haavat.
28. Easy Rider (1969)
(Kuvan luotto: Columbia Pictures)
Amerikkalainen uusi aalto alkoi täysillä Easy Riderilla, modernilla lännenelokuvalla jos sellaisella. Dennis Hopperin ohjaama ja Peter Fondan ja Terry Southernin kanssa käsikirjoittama Easy Rider seuraa kahta moottoripyöräilijää (joita esittävät Hopper ja Fonda), jotka ratsastavat Amerikan etelästä ja uskaltautuvat länteen tuottoisasta kokaiinikaupasta ansaituilla rahoilla. Easy Rider on merkittävä vastakulttuurieepos, joka muokkasi yksinään kollektiivista sanastoa, jonka mukaan avoin tie on viimeinen seikkailun rajaseutu ja ainoa jäljellä oleva paikka löytää identiteetti ja vapaus.
27. The Apartment (1960)
(Kuvan luotto: United Artists)
Jospa seinät osaisivat puhua. Billy Wilderin vuonna 1960 ilmestyneessä romanttisessa komediassa The Apartment Jack Lemmon esittää kunnianhimoista vakuutusalan työntekijää, joka työpaikallaan nousun toivossa antaa vanhemmille työtovereilleen luvan käyttää Upper West Side -asuntoaan avioliiton ulkopuolisiin suhteisiinsa. Asiat mutkistuvat, kun Lemmonin esittämä Bud rakastuu Franiin (Shirley MacLaine), jolla on suhde Budin oman pomon kanssa. The Apartment on löyhästi inspiroitunut vuoden 1945 brittielokuvasta Brief Encounter (Lyhyt kohtaaminen) ja tosielämän Hollywood-skandaalista, johon liittyi tuottajan suhde, joka tapahtui työntekijänsä asunnosta käsin, ja se on ihastuttava komedia siitä, ettei koskaan saa olla liian lähellä toimintaa.
26. Tappaa pilkkanokka (1962)
(Kuvan luotto: Universal Pictures)
Harper Leen vuonna 1960 ilmestynyt merkittävä romaani, joka kertoo periaatteellisesta asianajajasta, joka puolustaa viatonta mustaa miestä, jota syytetään seksuaalisesta hyväksikäytöstä, sovitettiin mestarillisesti valkokankaalle kaksi vuotta myöhemmin ohjaaja Robert Mulliganin toimesta. Gregory Peck näyttelee Atticus Finchiä ja Mary Badham hänen nuorta tytärtään Scoutia, jonka näkökulmasta tarina etenee. Mulliganin elokuvaversio on ansainnut ylistystä amerikkalaisena klassikkona, sillä se on hellävarainen ja koskettava tutkimus kasvamisesta ennakkoluulojen keskellä. Finchin unohtumattoman puolustusmonologin kautta (Mulliganin kamera ottaa viisaasti valamiehistön näkökulman) To Kill a Mockingbird on antanut lukemattomille sukupolville opetuksen siitä, miten pitää puolustaa oikeutta silloinkin, kun oikeus on vähissä.
25. Elävien kuolleiden yö (1968)
(Kuvan luotto: Criterion)
Ennen The Walking Deadia oli George Romeron Night of the Living Dead, joka ei ainoastaan tuonut zombeja amerikkalaisen popkulttuurin sanastoon, vaan teki genren kiistatta parhaiten. Pennsylvanian maaseudulle sijoittuvassa elokuvassa seitsemän eloonjäänyttä piileskelee maalaistalossa, kun lihaa syövien ruumiiden laumat ovat yhtäkkiä heränneet eloon kaikkialla. Night of the Living Dead kirjoitti kaikkien zombikauhutarinoiden pelikirjan, mutta sen mustan näyttelijän Duane Jonesin (pääosanesittäjä Ben) valinta oli sekä vallankumouksellinen että poliittinen, ja sen sydäntäsärkevässä loppuratkaisussa zombeista tuli ikuisesti dynaaminen ja muuttuva metafora sille, mitä ihminen pitää hirviömäisenä.
24. Apinoiden planeetta (Planet of the Apes) (1968)
(Kuvan luotto: 20th Century Studios)
Pierre Boullen vuonna 1963 ilmestyneeseen romaaniin löyhästi perustuvan Franklin J. Schaffnerin elokuvaversiossa Apinoiden planeetta Charlton Heston näyttelee astronauttia, joka laskeutuu oudolle planeetalle, jossa ihmiskunta on alkukantainen ja puhuvat apinat ovat ottaneet vallan älykkäimpänä lajina. Vaikka Apinoiden planeetta synnytti elokuvasarjan, Schaffnerin alkuperäinen elokuva on teknisesti upea ja henkisesti uhkaava tieteisfiktio. Kaikki nämä vuodet myöhemmin Apinoiden planeetta on yhä vaikuttava varoitus siitä, että ihmiskunta suhtautuu ylimielisesti omaan paikkaansa ravintoketjussa.
23. Mantsurian ehdokas (1962)
(Kuvan luotto: United Artists)
Richard Condonin romaaniin perustuva John Frankenheimerin synkkä psykologinen trilleri on yksi kylmän sodan aikakauden määrittelevistä elokuvista, joka hyödynsi aikakauden yleistä vainoharhaisuutta sisältäpäin vaanivia vihollisia kohtaan. Vain vuosi ennen JFK:n salamurhaa ilmestyneessä elokuvassa seurataan Korean sodan veteraania Raymond Shaw’ta (Laurence Harvey), joka joutuu tietämättään kommunistien aivopesemäksi ja lähetetään takaisin Yhdysvaltoihin tappamaan presidenttiehdokas. Myös Frank Sinatran, Janet Leigh’n ja Angela Lansburyn tähdittämä vakoilutrilleri, jonka runsas politikointi ja salaliitto asettivat pysyvästi riman kaikille sen jälkeisille vakoilutrillereille. Sen innovaatiot genressä näkyvät yhä nykyaikaisissa samanhenkisissä elokuvissa, jotka ulottuvat The Bourne Identitystä Captain America: The Winter Soldieriin. Vuonna 2004 ilmestyi yhtä mahtava moderni uusintaversio, jonka pääosissa nähdään Denzel Washington, Liev Schrieber ja Meryl Streep.
22. Paljain jaloin puistossa (1967)
(Kuvan luotto: Paramount Pictures)
Jane Fonda ja Robert Redford eivät ole koskaan olleet hauskempia tai kuumempia kuin vastanaineena pariskuntana, joka palaa häämatkansa autuudesta ja joutuu kohtaamaan todellisuuden huumorintajun. Muutettuaan Manhattanin viisikerroksiseen kerrostaloasuntoon vapaamielinen Corie (houraileva Fonda) ja hieman kireämpi Paul (Redford, joka ylpeilee terävällä koomisella ajoituksellaan) oppivat, mitä oikeasti tarkoittaa olla ja pitää, kun heidän ensimmäiset yhteiset kuukautensa eivät ole sitä, mitä kumpikaan heistä kuvitteli. Vaikka juoni on höyhenenkevyt, Neil Simonin näytelmään perustuva ja Gene Saksin ohjaama elokuva kestää komean näyttelijäkaartinsa säteilevän karisman ansiosta.
21. Mary Poppins (1964)
(Kuvan luotto: Disney)
Yksi Disneyn suurimmista hiteistä syntyi 1960-luvulla, kun Julie Andrews ja Dick Van Dyke tanssivat ja lauloivat sitoutuneemman perhe-elämän hyveistä. Edvardiaanisessa Lontoossa taikamainen nainen lentää taivaalta vastatakseen Banksin lasten kutsuun ”täydellisestä lastenhoitajasta”. Hän on Mary Poppins (Andrews), mitä salaperäisin olento, joka on sekä lempeä että tiukka ja juuri se lusikallinen sokeria, jota Banksin perhe tarvitsee ollakseen taas kokonainen. Teknisesti häikäisevä ja sydämeltään terveellinen Mary Poppins on yksi Disneyn kaikkien aikojen ikonisimmista ja menestyneimmistä live action -elokuvista, ja hyvästä syystä. Mitä muuta voi sanoa kuin: ”Supercalifragilisticexpialidocious!”.
20. Tokyo Drifter (1966)
(Kuvan luotto: Nikkatsu)
Seijun Suzukin kunnianosoitus pyssymieswestereille on uskomattoman tyylikäs gangsterielokuva Tokyo Drifter, joka kertoo parannetusta palkkamurhaajasta nimeltä Tetsu (Tesuya Watari), joka joutuu keskelle kilpailevia jengejä, jotka pyrkivät vakiinnuttamaan valtaansa. Eksentrisestä visuaalisesta tyylistään tunnettu Suzuki joutui ensin studion pakottamana hillitsemään herkkyyttään valkokankaalla; studio antoi hänelle pienen budjetin varmistaakseen, että Suzuki värittää elokuvansa linjojensa mukaisesti. Vastatoimena Suzuki haki inspiraatiota 1950-luvun musikaalielokuvista, absurdista komediasta ja nousevasta pop-taiteesta luodakseen siihen mennessä surrealistisimman elokuvansa. Tämä kapinallisuuden kuin julistuksen filosofia tihkuu Tokyo Drifterin huokosista, sen hillitty maksimalismi kehyksissään luo kokemuksen, jonka tunnetta ei voi unohtaa, vaikka ei ymmärtäisikään, mistä on kyse.
19. Butch Cassidy ja Sundance Kid (1969)
(Kuvan luotto: 20th Century Studios)
William Goldmanin käsikirjoittamassa Georgy Roy Hillin lännenelokuvaklassikossa Paul Newman ja Robert Redford näyttelevät elokuvamaailman siisteimpiä ja koskemattomimpia lainsuojattomia, jotka pakenevat epätoivoisesti Boliviaan. Selviävätkö he hengissä? Vastaus siihen ei ole niinkään kiinnostava kuin rikas, mukaansatempaava matka, jonka Butch Cassidy (Newman) ja Harry Longabaugh, alias ”Sundance Kid” (Redford) tekevät koko elokuvan ajan. He ovat rikoskumppaneita, joiden tiivis side tekee heistä veljeyden ja bromance-ihanteiden suojeluspyhimyksiä. Vaikka Butch Cassidy and the Sundance Kid ei ollutkaan suosittu ilmestyessään, se on saavuttanut kunnioitusta elokuvana, joka todistaa, että suurin palkinto eivät ole rikkaudet, joita ei saa mukanaan, vaan kokemukset, joita voi kerätä tärkeimpien ihmisten kanssa.
18. A Hard Day’s Night (Kovan päivän yö) (1964)
(Kuvan luotto: United Artists)
Kaikki musiikkivideot, rocktähti-dokumentit, konserttielokuvat ja TikTok-kiekot ovat velkaa A Hard Day’s Nightille. Komedian ja musiikin kaleidoskooppi, Richard Lesterin elokuva, joka on täynnä nopeita leikkauksia ja käsivaralta kuvattua hysteriaa, vangitsee The Beatlesin Beatlemanian huipulla. A Hard Day’s Night ei kuitenkaan ole hemmotteleva, itsekeskeinen dokumentti kuuluisuuden aiheuttamasta draamasta ja väsymyksestä, vaan siinä nähdään liverpoolilaiset rokkarit aiheuttamassa rähinää kaikkialla, minne he menevät – eikä oikeaa tarinaa näy lainkaan. A Hard Day’s Night on vähemmän Taylor Swift: The Eras Tour ja enemmän ranskalainen New Wave, sillä se on vapaamielinen ja kekseliäs, ja siinä on haastateltavien trollaamista Marx Brothersin kaltaisilla rutiineilla ja huutavien fanien pakoilua, jotka liikkuvat kuin herhiläisparvet.
17. Linnut (1963)
(Kuvan luotto: Universal Pictures)
Alfred Hitchcockin jälkeen emme enää koskaan nähneet lintuparvia samalla tavalla. Tässä ikonisessa kauhuelokuvassa vuodelta 1963, joka perustuu Daphne du Maurierin vuonna 1952 kirjoittamaan novelliin ja joka on löyhästi saanut inspiraationsa kaksi vuotta aiemmin Kalifornian Capitolan kaupungissa tapahtuneesta omituisesta lintujen joukkohyökkäyksestä, aggressiiviset linnut terrorisoivat unisen kaupungin asukkaita. Vaikka tappajavarikset ja -kyyhkyset saattavat kuulostaa paperilla kornilta, Hitchcockin kaltainen suvereeni elokuvantekijä tuottaa jääkylmän kauhuklassikon, jossa luonto säilyttää edelleen ylivallan ihmiskunnan tieteellisestä edistyksestä huolimatta. Hiljaisuuden mestarillisen käytön ja varhaisten erikoistehosteiden taidokkuuden ansiosta The Birds ei koskaan lakkaa lentämästä – ja saa meidät juoksemaan suojaan.
16. The Graduate (1967)
(Kuvan luotto: Embassy Pictures)
Mike Nicholsin romanttinen draamakomedia, joka oli varhaisen itsenäisen elokuvan hitti, vangitsi taitavasti 60-luvun nuorison levottoman hengen tarinassaan korkeakoulututkinnon suorittaneesta miehestä (Dustin Hoffman), joka aloittaa suhteen vanhemman naisen (Anne Bancroft) kanssa ja ihastuu samalla tämän tyttäreen Elaineen (Katharine Ross). Unohtumattoman loppuratkaisun aikaansaaminen, jossa rakastavaiset tajuavat hitaasti tekojensa murskaavan suuruuden, oli neronleimaus Nicholsin taholta. Kun hän ei yksinkertaisesti kerro näyttelijöilleen, mitä heidän pitää tehdä seuraavaksi sen jälkeen, kun he ovat nousseet bussiin, heidän fyysinen väsymyksensä heijastaa henkistä epätietoisuutta. Kun Hoffman ja Ross lakkaavat hymyilemästä hämmentävän pitkän otoksen aikana, heidän väsyneet ilmeensä paljastavat hahmojensa epävarmuuden siitä, onko rakkaus tarpeeksi vahva kestääkseen.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Kuvan luotto: Warner Bros.)
Yksi monista ikonisista amerikkalaisista elokuvista, jotka edustavat vastakulttuurin uhmaa Vietnamin sodan aikana, ohjaaja Stuart Rosenbergin Cool Hand Lukessa Paul Newman näyttelee floridalaista vankia, joka ei anna kahleidensa pitää itseään alhaalla. Elokuvan käsikirjoitti Donn Pearce, jonka oma rikollinen tausta ja kaksi vuotta Floridan vankeinhoitolaitoksen ketjujengeissä inspiroivat sekä hänen romaaniaan että elokuvaa. Innostava ja liikuttava Cool Hand Luke on käytännössä opetusvideo siitä, miten säilyttää malttinsa ja päihittää kaikki muut vihamielisessä paikassa, joka haluaa nähdä sinut kuolleena.
14. The Good, the Bad and the Ugly (1966)
(Kuvan luotto: MGM)
Sergio Leone määritteli 1960-luvulla italialaisvalmisteisia länkkäreitä Dollars-trilogiallaan, jossa seurataan nimettömän miehen (Clint Eastwood) nomadisia urotöitä. A Fistful of Dollars (1964) ja For a Few Dollars More (1965) -elokuvien jälkeen Leonen viimeisessä elokuvassa seurataan kolmea pyssymiestä – joita näyttelevät Eastwood, Eli Wallach ja Lee Van Cleef – jotka kilpailevat löytääkseen haudattua konfederaation kultaa Yhdysvaltain sisällissodan aikana. Vaikka henkilökohtaiset mielipiteet vaihtelevat siitä, mikä trilogian elokuvista on paras, The Good, the Bad and the Ugly on yksinkertaisesti liian eeppinen ohitettavaksi, ja se on kiistatta kaikkien spagettiwesternien vertauskuvallisin. Toimintaelokuvantekijät ovat käyttäneet vuosikymmeniä inspiraationsa Leonen mestariteoksesta ja sen mieleenpainuvasta kuvauksesta ja oopperamaisesta väkivallasta.
13. Rosemaryn vauva (1968)
(Kuvan luotto: Paramount Pictures)
On kylmä lohtu, ettei vauvan kasvoja koskaan nähdä. Roman Polanskin psykologisessa kauhuelokuvassa Mia Farrow näyttelee nuorta vaimoa Manhattanilla, joka epäilee, että naapurit saattavat joutua hänen kohteekseen synnyttämään jotain epäpyhää. Polanskin elokuva – jossa näyttelevät myös John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans ja Charles Grodin elokuvadebyytissään – on kirvelevä ja ultrapimeä trilleri naisen toimijuuden menettämisestä (valitettavan ironista Polanskilta) ja siitä, miten 1900-luvun yhteiskunnan marssi kohti maallistumista voi koitua ihmiskunnan kohtaloksi. Rosemary’s Baby oli juuri ennen aikojaan, sillä saatanallisia kultteja koskeva hysteria nousi nopeasti sanomalehtien otsikoihin 1970- ja 1980-luvuilla.
12. Arabian Lawrence (1962)
(Kuvan luotto: Columbia Pictures)
Voiko jonkun elämä olla niin eeppinen, että siitä tulee yksi kaikkien aikojen suurimmista seikkailuelokuvista? 1900-luvun brittiläinen arkeologi, armeijan upseeri ja kirjailija T. E. Lawrence eli ilmeisesti sellaista elämää, josta tuli David Leanin ohjaama Arabian Lawrence. Elokuvan pääosassa nähdään Peter O’Toole, joka oli tuolloin tuntematon näyttelijä, mutta josta Lean piti (vuoden 1960 elokuvasta The Day They Robbed the Bank of England), ja elokuva seuraa Lawrencea halki Ottomaanien valtakunnan ensimmäisen maailmansodan aikana. Elokuva itsessään tarkastelee Lawrencen vaikeuksia sovittaa yhteen väkivalta ja hänen jakautunutta uskollisuuttaan Britannian ja hänen uusien liittolaistensa välillä arabijoukkojen sisällä. Lawrence of Arabia on näyttävä blockbuster aikakaudella, jolloin niitä ei juuri tehty, ja se riemastuttaa raivolla ja seikkailunhalulla, jota ei nähty ennen kuin vasta Kadonneen arkkiarkun löytöretkeilijät lähes 20 vuotta myöhemmin.
11. Korkealla ja matalalla (1963)
(Kuvan luotto: Toho)
Akira Kurosawa on syystä tunnettu ikuisten samurai-eeposten ohjaajana. Mutta silloinkin, kun hän tekee siksakeita omasta siksakistaan, kuuluisa taiteilija säilyttää kaikki parhaat piirteensä, kuten teatterimaisen muodollisuuden ja voimakastahtoiset hahmot, jotka törmäävät ahdistaviin voimiin. Sisään: High and Low, Kurosawan vauhdikas, hienosti sävelletty rikosdraama vuodelta 1963. Ed McBainin romaaniin King’s Ransom perustuvassa elokuvassa varakas johtaja (Toshiro Mifune) saa tietää, että hänen poikansa on kidnapattu ja että häntä pidetään lunnaiden maksua varten, mikä käynnistää hikisen, eteenpäin vievän juonen, jossa aika on valttia. Kurosawa vaihtaa samuraihaarniskan raikkaisiin paitoihin ja solmioihin ja pohtii Japanin sodanjälkeistä nousua. Ympärillään ohjaaja näki japanilaisen yhteiskunnan kehittyvän nopeasti kohti nykyaikaa. Mutta millä hinnalla?
10. From Russia With Love (1963)
(Kuvan luotto: United Artists)
James Bond -jatko-osa, joka päihittää jopa kaiken tärkeän edeltäjänsä Dr. No:n. Ohjaaja Terence Young ja näyttelijä Sean Connery yhdistyvät jälleen From Russia With Love -elokuvassa, tällä kertaa kertoakseen tarinan, jossa Bond auttaa kaunista neuvostoliittolaista loikkaria (Daniela Bianchi) pakenemaan SPECTRE:n kynsistä. Kun MI6:n suurin vakooja on uppoutunut kylmän sodan jännitteisiin, From Russia With Love pitää harvinaista ilmaa yhtenä kaikkien aikojen hienoimmista Bond-jatko-osista, sillä se on yhtä aikaa synkkä, seksikäs ja jännittävä blockbuster. Asiaa auttaa myös se, että elokuvaa alleviivaa yksi kaikkien aikojen parhaista Bond-kappaleista, jonka laulaa crooner Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Kuvan luotto: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard vietti 1960-luvun vakiinnuttaen paikkansa Ranskan uudessa aallossa elokuvilla, kuten Hengettömät (1960), Vivre sa vie (1962) ja Band of Outsiders (1964). Godardin huippukuntoon hän pääsi kuitenkin vuonna 1965 elokuvalla Pierrot le Fou, eloisalla ja värikkäällä kokeellisella road movie -elokuvalla miehestä (Jean-Paul Belmondo), joka karkaa lapsensa lapsenvahdin ja entisen rakastajattarensa (Anna Karina) kanssa jättääkseen bougie-maailmansa taakseen. Pierrot le Fou on pop-taiteen monumentti, joka pursuaa aistillisuutta, tuhoon tuomittua romantiikkaa ja neljännen seinän romua, ja se ei vain vahvistanut Godardin auteur-asemaa, vaan myös kullannut sen.
8. Aamiainen Tiffanylla (1961)
(Kuvan luotto: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn ei vain vakiinnuttanut tähteytensä ohjaaja Blake Edwardsin Breakfast at Tiffany’s -elokuvalla, vaan takasi hänelle kuolemattomuuden. Tässä romanttisen komedian jättiläisessä Hepburn näyttelee Holly Golightlya, eksentristä seurapiirikaunotarta, joka rakastuu vaikeuksissa olevaan kirjailijaan (George Peppard). Mickey Rooneyn rasistinen kuvaus japanilaisesta naapurista huolimatta Aamiainen Tiffanylla on kuohuva ja tyylikäs elokuva, joka ottaa sydämessäsi olevan rakkauden ja pukee sen muodikkaaseen asuun. Hepburnin Holly-ilme on edelleen kaikkialla läsnä ajattoman kauneuden symbolina, ja on vaikea kiistää, miksi. Yksi vilkaisu hänestä Edwardsin kameran linssiin, ja me kaikki olemme päätä pahkaa kalliilla korkokengillä.
7. La Dolce Vita (1960)
(Kuvan luotto: Columbia Pictures)
Frederico Fellinin nimi on synonyymi hienolle italialaiselle elokuvalle, ja La Dolce Vita on yksi hänen kestävimmistä hiteistään. Elokuvassa seurataan julkkistoimittajaa (jota näyttelee erittäin cool Marcello Mastroianni, joka huokuu keimailua jokaisessa kuvassa), joka viettää kuumeisen viikon kiertelemällä Roomassa – muinaisessa kaupungissa, jonka glitteri ja glamour ovat vallanneet – etsien jotain puhdasta. Ainutlaatuisella juonirakenteella ja katkeralla huumorilla varustettu La Dolce Vita nauttii sodanjälkeisen vauraan sivilisaation dekadenssista ja ennakoi samalla, että maine myrkyttää yhteiskunnan.
6. The Wild Bunch (1969)
(Kuvan luotto: Warner Bros.)
Sam Peckinpah antoi länkkäreille viimeisen hurraansa The Wild Bunch -elokuvalla, joka kertoo ikääntyvistä lainsuojattomista, jotka kamppailevat sopeutuakseen modernisoituvaan 1900-lukuun ja lähtevät pois kunniakkaasti. Vaikka lännenelokuvat eivät olekaan täysin kuolleet sukupuuttoon, 1960-luvulle tultaessa genre oli menettänyt suosionsa, eikä se ole sen jälkeen koskaan saanut takaisin suosiotaan. Tämän vuoksi Peckinpahin Agua Verden räjähdysmäistä loppuratkaisua alleviivaava ruutien paukahdusten ja luodin kimmellysten pommitus tuntuu kuin ilotulitusnäytökseltä, jolla muistetaan lukemattomia valkokangassankareita ja mustahattuisia roistoja, jotka ovat koristaneet valkokangasta Hollywoodin alusta lähtien. The Wild Bunchin jälkeen lännenelokuvat ratsastivat auringonlaskuun, eivätkä ne ole koskaan katsoneet takaisin.
5. 8 ½ (1963)
(Kuvan luotto: Columbia Pictures)
Italialainen elokuvantekijä Frederico Fellini käänsi tunnetusti kameransa jonkin verran itseään vastaan elokuvassaan, joka käsittelee kamppailua tekijyyden ja yksilöllisyyden säilyttämisestä julkisen tarkkailun kohteena olevalla alalla. Fellinin kahdeksannessa elokuvassa (siitä nimi) näyttelijä Marcello Mastroianni näyttelee Guido Anselmiä, ohjaajaa, joka yrittää epätoivoisesti säilyttää identiteettinsä suuren budjetin tieteiselokuvan ohjaamisen tiukassa, itseään kuluttavassa prosessissa. Koko ajan Guido miettii elämänsä eri naisia. Surrealistinen meta-musta komedia, joka hämärtää kayfabe-rajoja, 8 ½ on oikeutetusti yksi parhaista elokuvien tekemisestä kertovista elokuvista, joita on koskaan tehty.
4. West Side Story (1961)
(Kuvan luotto: United Artists)
Miten ratkaistaan Marian kaltainen ongelma? Tässä modernisoidussa Romeo & Julia -elokuvassa, joka sijoittuu New Yorkin rodullistettuihin katujengeihin, Natalie Wood ja Richard Beymer näyttelevät tähtien ristissä olevia rakastavaisia, jotka rakastuvat samalla kun he seisovat vastakkaisilla puolilla reviirisotaa. Robert Wisen ja Jerome Robbinsin ohjaama alkuperäinen versio vuodelta 1961 on musikaaliromanssin jättiläismäinen, ja se käsittelee valkokangasta rohkeasti kuin näyttämöä. Monimutkainen koreografia, eloisat väripaletit ja dynaamiset kameraliikkeet vaikuttivat Michael Bayn (joka kehui elokuvaa New York Timesin haastattelussa vuonna 2001) ja Steven Spielbergin kaltaisiin henkilöihin, jotka ohjasivat elokuvan oman uusintaversionsa vuonna 2021. Kun katsot West Side Storyn, sinusta tulee fani loppuelämäsi ajan, aina ensimmäisestä savukkeesta viimeiseen kuolinpäivään.
3. Silmät ilman kasvoja (1960)
(Kuvan luotto: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Vaikka Georges Franjun uraauurtava kauhuelokuva Silmät ilman kasvoja vuodelta 1960 edeltää suurinta osaa slasher-elokuvista, sen ahdistava tarina ja julma väkivalta asettavat standardit, joita genren mestarit kuten John Carpenter ja Wes Craven myöhemmin pitivät yllä. Silti Silmät ilman kasvoja on erilainen kuin mikään näkemäsi kauhuelokuva, sillä se on yhtä lailla runollinen kuin karmea. Elokuvassa seurataan maineikasta plastiikkakirurgia (näyttelijä Pierre Brasseur), joka orjuuttaa kauniita nuoria naisia kaivertaakseen heidän lihaansa ja korjatakseen tyttärensä traagisen epämuodostuman. Édith Scob näyttelee myös lääkärin tytärtä, joka pukeutuu aavemaiseen valkoiseen naamioon, joka tuntuu enteilevän Michael Myersin ja Jason Voorheesin kaltaisia tulevaisuuden ikoneita. Upea ja karmea ovat tässä epätodennäköisiä sellikavereita.
2. 2001: Avaruusodysseia (1968)
(Kuvan luotto: MGM)
Mikään elokuva ei määrittele 1960-lukua, mutta tuntuu silti olevan ajasta pois niin kuin Stanley Kubrickin 2001: A Space Odyssey. Kahden megaklassikon, Lolitan (1962) ja Dr. Strangeloven (1964), jälkeen Kubrick katsoi tähtiin majesteettisella scifi-eepoksella, joka on sovitus Arthur C. Clarken novellista ”Vartija”. Elokuva kattaa kirjaimellisesti aikakausia ihmiskunnan alkukantaisesta alkuperästä Kubrickin ennusteiden mukaan kehittyneeseen avaruussukupolveen. 2001:n laajuus on valtava. Mutta riippumatta siitä, kuinka pitkälle edistys vie meidät, ihminen on edelleen altis selittämättömälle väkivallalle. Niinpä Discovery Onen matkalla Jupiteriin tekoäly HAL 9000:lla on omia ajatuksiaan selviytymisestä, joita sen lihapussiherrat eivät ehkä haluaisi. Kauniisti sommiteltu ja tuonpuoleisessa mielessä pahaenteinen 2001: Avaruusodysseia harppasi elokuvataidetta eteenpäin vain mustan monoliitin ripauksella.
2001: Avaruusodysseia £7.99 Amazonissa £8.19 Hitissä £9.69 Hive Booksissa
1. Psycho (1960)
(Kuvan luotto: Paramount Pictures)
Kauniin Janet Leigh’n, pullon Hersheyn suklaasiirappia ja Bernard Herrmannin sykkivän kaikkijousisävellyksen avulla Alfred Hitchcock takoi elokuvallisen mestariteoksen, joka katsoi syvälle psyykeemme ja kaivoi esiin sen, mikä meitä kaikkia kauhistutti. Hitchcockin tunnetuin elokuva on täynnä punaisia juonia, mustaa koomista ironiaa ja tiheää symboliikkaa, joka voisi täyttää freudilaisen psykoanalyysin luennon, ja se säilyy edelleen vaikuttavana jättiläisenä, joka määritteli uudelleen kaupallisen elokuvan hyväksyttävyyden maun kannalta ja uudisti modernin kauhuelokuvan konventiot. Robert Blochin samannimiseen kirjaan perustuva tarina sijoittuu pääasiassa aavemaiseen Bates-motelliin, jota valvoo sen eksentrinen omistaja Norman Bates (Anthony Perkins), joka kätkee tumman salaisuuden. Vaikka Psycho on ymmärrettävästi synnyttänyt sarjan, johon kuuluu myös suosittu tv-sarja Bates Motel, Psycho seisoo vahvasti yksinään elokuvana, joka muutti kaiken.